Serendeep. “No vemos las murallas”

Entrevista: Joaquín DHoldan // Fotos: Miguel Jiménez

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Carcassonne, en Francia, Cartagena de Indias en Colombia, Dubrovnik en Croacia, Pingyao en China, son algunas de las famosas ciudades amuralladas que aparecen en las listas de los 40 principales (destinos turísticos, en este caso). El largo listado no incluye ciudades como Sevilla, o Montevideo, que supieron tener murallas que separaban civilización y barbarie, pero de las que apenas sobreviven trozos más o menos definidos. La práctica de su construcción tiene origen en la prehistoria. En la Edad Media el derecho a construir una era un privilegio denominado “derecho de almenaje”. Su decadencia llegó en la era moderna, cuando entorpecían la expansión y las comunicaciones.

Alessandro Baricco en “Los bárbaros. Ensayo sobre la mutación” escribe un capítulo —el último del libro— sobre “La Gran muralla China”, y dice esto: “La Gran Muralla no defendía de los bárbaros: los inventaba”. En ese entorno hablamos con “Serendeep”, en la frontera entre dentro y fuera. Personas dedicadas desde hace años a la música que presentan su primer disco como grupo.

¿Cómo llegaron al género que tocan, a ese lugar de frontera entre el rock, el pop, la electrónica?

Esa mezcla refleja la mezcla entre nosotros. María Cascales y Samuel Merino tenían las canciones a guitarra y voz. Eran un caos de estructura, tenían esa fórmula, más libre de compases, de tempos, estilos mezclados, muchas ideas muy buenas juntas pero no definidas. Cuando nos juntamos con Isaac dijimos: “esto nos gusta a todos”, pero hay que estructurarlo y meterle electrónica, pero no de máquinas, sino tocada con banda, con efectos que nos gustan preparados para el directo, no para que uno pinche.

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¿Qué tienen las canciones que lograron aglutinar a músicos tan diferentes?

Había melodías pegadizas, daban pie a jugar con ellas. Tenían rollo rockero, pero eran las canciones y las personas donde vimos capacidad de creación. Aunque la estructura fuese como fuese, siempre daba la sensación de que se podía hacer algo más, como un lugar limpio para trabajar, mucho potencial creativo. Nos juntamos el “ying y yang”, el perfecto equilibrio. Samuel y María, como creativos pero que no sabías bien lo que hacían, y Hugo e Isaac que también son creativos, pero son músicos muy profesionales, muy formados y con esas ideas le dieron ese toque. María fluye mucho, se le ocurren muchas canciones, compone continuamente.

O sea que en la misma banda están los compositores y los productores musicales.

Exacto. Por ahí va.

Entonces si volvemos al origen de la banda ¿qué nos encontramos?

María y Samuel en Bilbao, tocando en un bar [risas] y en el Bilborock las canciones de María, que al ser bilingüe compone en inglés y también en francés. Eran un duo rollo cantautor, en formato acústico.

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¿Y en español no componías?

Es un tema que divide al grupo [risas]. María se lo está pensando, pero tenemos claro que para este sonido que tenemos el idioma adecuado es el inglés. No por una cuestión de mercado sino por el mismo criterio que te hace cantar flamenco en español. Le da coherencia y autenticidad hacer la música en el idioma para la que fue creada.

Vinieron de Bilbao y se encontraron un grupo.

De ahí el concepto de “serendipia”: un hallazgo afortunado cuando estás buscando otra cosa. Encontramos una escuela de música (“Planet Music”) para tomar clases de canto y formarnos como músicos. María le muestra las canciones a Hugo Guerrero, que se las muestra a Isaac Montes y así se formó la banda.

¿Cómo llegaron al nombre?

Buscando en ese concepto de “serendipia”. “Serendipty” era una película, así que lo descartamos. Pensamos en incluir el término “deep” haciendo referencia a la profundidad, porque apostábamos a hacer letras complejas, reflexivas. Entonces hicimos ese juego de palabras y llegamos a “Serendeep”.

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¿Qué tiene que pasar para que a un grupo con una calidad indiscutible le vaya bien?

Hacer las cosas bien. Nosotros somos músicos profesionales, damos clases, estudiamos. Cada paso, cada nota, está tomada desde ese punto. A la hora de componer, de arreglar, nuestros directos, el álbum, la selección de temas. El manejo de las redes sociales. La realización del video. Llegue a uno o a un millón, queremos dar el máximo de nuestra capacidad. Luego jugarán otros factores que no podremos controlar. Habrá a quien la gustará y a quién no. Tendrá más o menos difusión. Pero nosotros haremos nuestra parte a tope.

Le dan mucha importancia a las letras. ¿Hay una impronta por la formación de María como psicóloga?

[risas] A veces se nota mucho, sí. En “Move your wings” decimos: “No hay mañana si estás anclado a la tristeza”. Otras canciones hablan de encontrar tu esencia. De conectar con lo que te inspira.

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Se refieren también al miedo a la soledad.

“Te da miedo el silencio y no hacer nada porque reencuentras tu sombra” de “Time”. No queríamos renunciar a reflexionar. Creemos que pueden ser divertidas y profundas a la vez. La música es puro sentimiento, puras sensaciones. Por eso nos importa la sonoridad, no vemos las murallas, ni las barreras de los idiomas. Nos centramos en la música porque la profundidad de las letras nos lo permite, casi nos obliga a saltar barreras.

Habrá canciones que sufrieron una gran transformación desde que fueron compuestos.

Teníamos un tema que el estribillo era en español. Era muy extraña, parecía un tango en esa parte. Era una fusión con algo de tango pero decidimos cambiarla. Para marcar una personalidad a veces hay que descartar estilos, quitamos tango, quitamos country. Nos centramos en buscar el sonido en el rock y la electrónica.

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El día antes de esta entrevista se murió Prince, (el Símbolo, El Artista antes conocido como Prince, vaya). Venimos de una racha dura: Lou Reed, Michel Jackson, David Bowie y es llamativo la cantidad de personas que los evocan y homenajean en la redes. Lo mismo pasa con la gente que colecciona conciertos. ¿Es una prueba que la gente quiere más lo que hay alrededor de la música que la música en si misma?

Hugo, nuestro batería, confesó su admiración por Raphael, para que ya quede escrito [risas]. Hay que pensar que lo importante es que la música logra quedarse, trasciende. Es inmortal. A mí me pasa cuando escucho nuestras propias canciones que desde el momento en que fueron compuestas los sentimientos cambian y generan nuevas sensaciones, a veces hay que interpretar y es curioso porque a veces, de tanto interpretar lo vuelves a sentir pero ya elaborado, con otra perspectiva, con otra experiencia y es muy interesante lo que se revive. Hay cosas que crees olvidadas y las desentierras con otra visión. Eso pasa con la música de otros. Uno, al final, cuando los vuelve a escuchar, se vuelve a escuchar.

Ustedes exploran un género nuevo, original ¿han encontrado grupos que hagan algo parecido?

Muchos. Pero, sin que suene pedante, creemos que sonamos distinto porque tenemos un rollo retro que nos favorece, el estar centrados en la acústica hace que el uso que le damos a la electrónica es especial, también tenemos muestras secuencias muy curradas pero somos músicos de acústico, además nos gusta el heavy metal [risas] y eso se nota. Se enfoca mucho hacia el directo, los grupos de “indie electrónico” o de música electrónica no están tan centrados en tocar en vivo, en ejecutar. Viene de nuestras raíces, de que nos gusta tocar aunque busquemos ese sonido…

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¿Qué tipo de conciertos se imaginan para disfrutar más vuestra música? ¿Un festival, un teatro?

Otra de nuestras características es la versatilidad. Al tener un álbum de temas muy variados, pueden entrar en un teatro o en un festival súper grande. Queríamos que fuera abierto, que llegara a la mayor cantidad de gente, no por el tema comercial, sino por la difusión, por compartir lo que hacemos, a través de las letras de María y nuestra música, llevar lejos ese mensaje y muchas veces lo comentábamos, nuestros temas pueden ser adaptados a cualquier mega festival al aire libre o también en un pequeño teatro. Tenemos ambos formatos, uno más intimo y otros más potente. El directo también es eso, buscar algo más en los temas del disco. Ya nos ha pasado con los temas que tenemos, y es una gozada.

Hablemos del videoclip de “More your wings”, está muy bien.

Teníamos claro que debía ser muy bueno, con una imagen muy profesional, bien realizado y que trasmita nuestra imagen de grupo.

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¿Por qué eligieron ese tema?

Era el tema más directo. Además fue la primer canción que hicimos juntos, el primero que arreglamos juntos, tiene ese punto además del estribillo pegadizo.

¿Harán otro video?

Seguro. Haremos un crowdfunding para grabarlo en verano y ya a la vuelta lanzarlo. Teníamos claro cuál era el tema elegido pero lo que uno piensa que es un tema que conecta enseguida luego se transforma cuando llega a la gente. Por eso tenemos que volver a pensarlo.

¿Cuándo haces temas con letras profundas, no frustra un poco que la gente se quede con lo más pegadizo? (Pienso en Lou Reed y su “chub chudub chudub chu chudub chub…”)

O “que los cumplas feliz” [risas]. La música tiene una cualidad que es muy traicionera, y es que transforma las letras. Letras sin sentido con una melodía determinada puede tener un sentido poético y por otro lado letras con un sentido pueden cambiar por el ritmo que se les impone. A veces algo repetitivo y alegre es un mantra. La gente se queda con lo sencillo, pero luego lo pueden disfrutar. En inglés pasa mucho por la sonoridad. A veces traducimos nuestras letras y suenan diferente. Pero el tarareo siempre funciona. El otro día vi un documental donde se hablaba de una máquina que analizaba si un tema podía ser un éxito o no, y por lo visto una de las cosas que medía era cómo se quedaba en el cerebro, si era repetitivo.

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¿Planificaron la trayectoria del grupo con alguna referencia?

En base a nuestros gustos si tenemos referencias, pero no en base a lo que han hecho profesionalmente esos grupos. Nosotros estamos abiertos y queremos tocar cuanto más, mejor. Pero queremos hacer nuestro camino. Hay grupos, claro, como “Oh! Be clever”, cuyo trayectoria nos atrae.

¿Hasta qué punto alteró María su forma de componer ahora que conoce el sonido del grupo?

No pensaba en tempos ni en estructuras, igual era algo que sólo podía escuchar yo, era más caótica y me dejaba fluir, pero ahora más conscientemente, tiendo a pensar en una estructura, busco un estribillo, un sentido. El otro día improvisaba pero ya me salió: estrofa, estrofa, puente y estribillo. El punto es no perder fluidez y ganar orden para el caos. Es algo positivo, ya no tienen que venir a decirme “esto no tiene estructura” [risas].
Es que ella venía del ”Rock progresivo”. Nos trajo un tema que lo desechamos porque era una locura y ni ella ni Samuel estaban dispuestos a cambiarlo. Al ser del rollo cantautor era letra acompañada con música y pasa por varios estados de ánimo. No había por donde cogerlo, eran como catorce canciones en una [risas]. Seguramente lo retomemos porque de ahí tenemos el segundo disco entero.

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Pasa en todos los géneros a la hora de escribir que la “estructura” te ata un poco. Haces un texto y los editores buscan si se trata de un poema, un cuento o una novela… Es otro muro…

Llega un punto en que estas escuchando una canción y encuentras una parte que no te cierra y suele ser un problema de estructura. María estaba abierta a aprender armonía y eso era clave. Fluir está bien pero puedes caer en la repetición. Crear está bien para comenzar el proceso, pero es el inicio de un gran trabajo que significa componer y redondear una canción.

Además del single ¿Qué temas les parecen representativos de lo que hacen?

Al ser tan variado es difícil. Pero por ejemplo cuando queremos mostrar “mira que bien lo hace la cantante”, ponemos “Lucifer effect”. Es el tema más lento, suave y con giros de voz. O “Carrusel” que es más personal y con mucha atmósfera. Representan bien al grupo. Pero hay temas muy de baile o de “discotequeo” y luego te sorprende el efecto, hay gente que han etiquetado algún tema como “metal bailable”. Ha sido curioso, pero han venido a entrevistarnos de revistas de “Rock metal”. Caminar por las fronteras tiene eso, alguno le suena a “Evanescence” y ya lo tiran para allí. Como te dijimos antes, yo creo que inconscientemente se nota que todos tenemos raíces del “heavy” [risas]. Todos mencionamos el “metal”, son nuestras referencias, hay una oscuridad que viene de ahí a dar luz.

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Joaquín DHoldan

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